Filmkritik: „Die Rote Schildkröte“ (OT: La Tortue Rouge, 2016)

Filmtyp: Spielfilm
Basierend Auf: Originaldrehbuch
Regie: Michael Dudok De Wit
Mit: Tom Hudson, Barbara Beretta u.a.
Land: Frankreich, Belgien, Japan
Laufzeit: ca. 81 Minuten
FSK: ab 0 freigegeben
Genre: Animation, Drama, Abenteuer, Fantasy
Tags: Schildkröte | Einsame Insel | Familie | Natur | Einklang | Schicksal

Seenot mal anders.

Inhalt: Als sich ein Schiffbrüchiger mit Ach und Krach auf eine einsame Insel irgendwo in den Weltmeeren retten kann, versucht er bald daraufhin alles um seiner misslichen Lage zu entgehen. Doch was er auch anstellt, es gelingt ihm einfach nicht die Insel zu verlassen – wobei es lange unklar bleibt, wer oder was dafür verantwortlich sein könnte. Eines Tages jedoch kann er einen Blick auf jene Kreatur erhaschen, die mit seinem Scheitern direkt in Verbindung zu stehen scheint – eine riesige rote Schildkröte. Auch wenn er nicht genau weiß wie sie seine Flucht hat verhindern können, dreht er das Tier kurz darauf wutentbrannt auf den Rücken – und lässt es zum Sterben in der prallen Sonne liegen. In der darauf folgenden Nacht plagen ihn jedoch Alpträume, und er setzt alles daran die Schildkröte doch noch zu retten. Ob es dafür bereits zu spät ist oder nicht, wird sich erst noch zeigen…

Kritik: Nein – man braucht nicht viel, um einen anständigen Animationsfilm auf die Beine zu stellen. Zumindest nicht, wenn man eine entsprechende inhaltliche Vision vor sich hat und die Gelegenheit erhält, sich in Bezug auf die technische und vor allem visuelle Komponente auf die Mitarbeit bereits erfahrener Veteranen verlassen zu können. Ungefähr hat es sich auch im Falle von LA TORTUE ROUGE ereignet, einem vom niederländischen Drehbuchautor und Trickfilmregisseur Michael Dudok De Wit erdachten; letztendlich auf multinationaler Ebene umgesetzten Projekt – das von niemand geringerem als ToshioSuzuki, dem Vorsitzenden des japanischen Studio GHIBLI (unter anderem verantwortlich für Anime-Meileinsteine wie PRINZESSIN MONONOKE, siehe Review) produziert wurde. Gesetzt dem Fall dass man hat schon einmal einen Blick auf die liebevollen zeichnerischen Welten des berühmten Studios hat werfen können, sieht man das auch direkt – wofür es nicht erst die spezielle Darstellung der kleinen Krabben braucht, die dezent an die sogenannten Rußmännchen aus MEIN NACHBAR TOTORO (Review) oder CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND (Review) erinnern.

Dementsprechend fällt es einem Film wie LA TORTUE ROUGE auch entsprechend leicht, den Zuschauer schnell mit seinen in sich stimmigen, trotz der relativen Kargheit des Inselschauplatzes detailreichen Bildern für sich zu gewinnen – wobei man sich speziell an die extrem minimalistisch gestalteten Gesichter und Animationen der Charaktere erst noch gewöhnen muss. Insgesamt aber sieht der Film recht gut bis stellenweise sogar atemberaubend aus – und der gefühlvolle Soundtrack fügt sich perfekt in die Abfolge der alles andere als hektisch aneinandergereihten Naturaufnahmen der Insel samt Umgebung ein. Was bleibt, ist die Frage nach der inhaltlichen Komponente – der im Falle von LA TORTUE ROUGE durchaus auch einige Besonderheiten innewohnen. So hat sich Michael Dudok De Wit etwa dazu entschlossen, für die gesamten 80 Minuten des Films auf jegliche Dialoge zu verzichten – was allemal ungewohnt ist, sich durch die dennoch vorhandenen Gesten, Laute und Interaktionen der Charaktere aber nicht negativ oder gar auf das Verständnis auswirkt.

Schließlich sollte das, was dem Zuschauer nach einem zugegebenermaßen noch etwas zähen Auftakt als Geschichte präsentiert wird; für jedermann verständlich sein – bedient sich Michael Dudok De Wit doch eigentlich nur an der absoluten Basis. In diesem Zusammenhang – und dies verbindet LA TORTUE ROUGE wiederum mit vielen anderen GHIBLi-Filmen – steht nicht weniger als die Natur selbst im Mittelpunkt der Erzählung, und das auf eine ebenso beruhigende wie spannende und inspirierende Art und Weise. Der Mensch selbst spielt hier nur eine eher untergeordnete Rolle, ebenso wie die mystisch-fantastische Komponente in Form der titelgebenden Schildkröte – die ihre Wirkung dennoch nicht verfehlt und einen großen Teil zur bemerkenswerten emotionalen Ebene des Films beiträgt. Die eigentliche Überraschung des Films ist demnach, dass er es trotz seiner relativen Zurückhaltung in Bezug auf die inhaltlichen und optischen Ausstaffierungen schafft; für eine vergleichsweise große und intensive Form der Unterhaltung zu sorgen.

Bilder / Promofotos / Screenshots: © Wild Bunch Distribution

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„Minimalistisch, aber eindringlich – eine etwas andere Hommage an die Kraft der Natur.“

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Filmkritik: „Das Kalte Herz“ (2014)

Filmtyp: Spielfilm (TV-Produktion)
Basierend Auf: Märchen von Wilhelm Hauff
Regie: Marc-Andreas Bochert
Mit: Rafael Gareisen, Laura Louisa Garde, Marie Gruber u.a.
Land: Deutschland
Laufzeit: ca. 85 Minuten
FSK: ab 6 freigegeben
Genre: Fantasy / Drama
Tags: Peter Munk | Köhler | Arbeit | Armut | Ansehen | Reichtum | Wandlung

Umso stärker die Liebe, umso größer die Versuchung…

Inhalt: Der fleißige aber arme Peter Munk (Rafael Gareisen) war schon immer ein guter Junge. So sorgt er für sich und seine Mutter, indem er tagtäglich in den Wald geht und sich mit der langwierigen Herstellung von Holzkohle abmüht – auch wenn er dafür von den meisten nur hämisch belächelt wird. Doch als er auf die hübsche Lisbeth (Laura Louisa Garde) trifft, der von einem anderen und weitaus wohlhabenderen Konkurrenten Avancen gemacht werden; wird es des angestauten Frustes doch noch zu viel. Und so macht sich Peter erneut auf zu dem einzigen Ort, an dem er sich wirklich sicher fühlt – dem hiesigen Wald. Dieses Mal, und mit dem tieferen Vordringen in das Gehölz aber trifft er auf gleich zwei seltsame Gestalten: den Holländer-Michel (Thomas Thieme), der Peter sogleich aus der Patsche hilft und auch sonst ein offenes Ohr für den jungen Mann zu haben scheint – und das Glasmännlein (Tilo Prückner), welches ihm drei Wünsche zugesteht. Natürlich nimmt Peter an, und entscheidet sich zunächst einmal für den nötigen Reichtum um endlich das ihm zustehende Ansehen zu genießen – und nicht zuletzt, um bei seinem Schwarm Lisbeth zu landen. Doch letztendlich läuft alles doch nicht so wie geplant…

Kritik: Um die wievielte direkte oder zumindest entsprechend beeinflusste filmische Aufarbeitung es sich bei der für das ZDF produzierten Version von DAS KALTE HERZ tatsächlich handelt, ist schwer zu sagen. Fest steht nur, dass die von Marc-Andreas Bochert verwirklichte und im Rahmen des ZDF-Specials Märchenperlen gezeigte Variante nicht viel anders macht als die bisherigen Veröffentlichungen – von der die im Jahre 1950 erschienene DEFA-Version eine der bekannteren markiert. Neu sind nur die Special Effects, die wider Erwarten recht dezent eingesetzt wurden – sowie natürlich die Besetzung mit einigen mehr oder weniger bekannten deutschen Darstellern. Die allerdings machen ihre Sache recht ordentlich, und auch die optisch-handwerkliche Gestaltungsarbeit weiß zu überzeugen – vor allem im Sinne einer TV-Produktion. Dass dann auch noch die Moral der Geschichte treffend eingefangen wurde – und das ohne etwaigen Blödeleien zu verfallen oder allzu sehr ins kitschige abzudriften – rundet die Sache ab. Sicher, DAS KALTE HERZ mag keine inhaltlich neue oder gar weltbewegende Märchenverfilmung sein – doch die angenehme Art der Erzählung, die für ein Märchen vergleichsweise ungekünstelt wirkende Emotionalität sowie die gleichermaßen universellen wie zeitlosen Botschaften machen die 2014’er ZDF-Version durchaus zu einem Hingucker; gerade für einen gemeinsamen Familien-Filmabend.

Bilder / Promofotos / Screenshots: © Justbridge Entertainment

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„Eine absolut annehmbare, angenehm bodenständige Märchenverfilmung.“

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Filmkritik: „Death Note“ (2017)

Filmtyp: Spielfilm
Basierend Auf: Death Note (Manga)
Regie: Adam Wingard
Mit: Nat Wolff, Margaret Qualley, Lakeith Stanfield u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 101 Minuten
FSK: nicht geprüft / keine Angabe
Genre: Thriller / Horror / Fantasy
Tags: Death Note | Light Yagami | Ryuk | Shinigami | Japan | Manga | Anime-Serie

Einmal das Totenbuch, bitte… gut durch und auf Amerikansich.

Inhalt: Eigentlich ist der junge Light Turner (Nat Wolff) nur ein ganz normaler Schüler, der sich ab und an etwas mit den Hausaufgaben anderer dazuverdient. Eines Tages aber fällt ihm ein seltsames schwarzes Notizbuch in die Hände, welches die Aufschrift DEATH NOTE trägt. Schnell stellt er fest, dass das Buch außergewöhnliche Fähigkeiten besitzt: stellt man sich das Gesicht einer Person vor und trägt den dazugehörigen Namen auf einer der Seiten ein, stirbt der betroffene. Als wäre das noch nicht unglaublich genug, taucht auch ein Todesgott namens Ryuk auf – der offenbar der eigentliche Besitzer des Buches ist, und Light dazu ermutigt seinen Gefühlen freien Lauf zu lassen. Light’s Entschluss, die Welt mithilfe des DEATH NOTE zu einem besseren Ort zu machen; ist daraufhin schnell gefasst – sodass er schlicht einige der gefährlichsten Verbrecher tötet, deren Gesichter und Namen er in den Medien aufgeschnappt hat. Dabei kommt ihm eigentlich nur einer in die Quere, und dass ist der hiesige Chefermittler L (Lakeith Stanfield)…

Kritik: Ob Fans des originären DEATH NOTE-Mangas (2003-2006) oder der seinerzeit direkt im Anschluss verwirklichten, längst mit einem enormen Kult-Status geadelten Anime-Serie (siehe Rezension) explizit darauf gewartet haben oder nicht – mit DEATH NOTE erfährt die düstere, sich um ein mysteriöses Buch aus einer Art Zwischenwelt drehende Geschichte von Tsugumi Ōba eine weitere Realverfilmung. Dieses Mal, und im Gegensatz zu den bisherigen vier Realfilmen aus Japan (siehe unter anderem hier); haben sich mit den Warner Studios erstmals die nicht unbedingt für gute Anime-Adaptionen bekannten Amerikaner an den Stoff gewagt. Eben das sieht und merkt man dem von Adam Wingard (der durch die Neuverfilmung zu BLAIR WITCH bekannt geworden ist) gedrehten Film auch direkt an – was noch nicht zwingend als Qualitätsmerkmal interpretiert werden muss, aber doch schon die ungefähre Marschrichtung vorgibt.

Anders gesagt: es sei den Amerikanern durchaus gegönnt, dass sie hier ihre ganz eigene Version von DEATH NOTE auf die Beine gestellt haben – und schon der Auftakt des Films respektive die ausführlichen Intro-Szenen mit Ansichten einer Highschool, des hiesigen Football- sowie Cheerleading-Teams und allerlei amerikanischen Gesichtern auch mit Nachdruck darauf aufmerksam machen. Selbst die zugegebenermaßen recht unglückliche Besetzung des wichtigen Charakters L durch den farbigen und auch sonst eher unpassend wirkenden Darsteller Lakeith Stanfield markiert so gesehen keines der Hauptprobleme des neuen, durch und durch amerikanischen DEATH NOTE-Films – der sich seine größten Fehlgriffe vielmehr in der letztendlich doch auffallend unstimmigen inhaltlichen und atmosphärischen Portierung leistet.

Das besondere, und gewissermaßen auch fatale dabei ist; dass es zur Feststellung dieser Mängel erst gar keines intensiveren DEATH NOTE-Vorwissens bedarf – mit einem kleinen aber feinen Unterschied. So werden komplette Franchise-Neueinsteiger vielleicht nicht genau wissen oder benennen können, was dem neuen DEATH NOTE-Film fehlt – während Kenner der Vorlagen immer wieder darauf hingewiesen werden, wie viel Potential hier letztendlich verschenkt wurde. Sei es der plötzlich eher weichgespülte Charakter der eigentlich ebenso hoch intelligenten wie skrupellosen Hauptfigur Light, die perfiden Katz- und Mausspiele zwischen ihm und der durch den weltfremd agierenden Chefermittler L verkörperten Gegenseite; oder der schier unglaubliche Spannungsbogen hinsichtlich des geschickt hinausgezögerten Finales, welches man zumindest im Anime kaum vorhersehen kann – die Amerikanische Realverfilmung von DEATH NOTE lässt hinsichtlich der Darstellung dieser Kernkompetenzen einiges vermissen, oder stellt sie lediglich äußert vereinfacht und in einem regelrechten Schnelldurchlauf dar.

Sicher, es mag nicht leicht gewesen sein den doch recht ansehnlichen Umfang der Vorlagen in ein handelsübliches Filmformat zu verfrachten – doch ein wenig mehr Fingerspitzengefühl hätte man dabei schon an den Tag legen können. Oder aber, und um es einmal gewagt auszudrücken: den Mut, zumindest die unvorbereiteten Zuschauer im schlimmsten Fall dezent zu überfordern. Dieses Wagnis sind die Verantwortlichen allerdings nicht eingegangen. Im Gegenteil: trotz der guten und spannenden Grundidee kommt die amerikanische DEATH NOTE-Verfilmung wie ein relativ typischer Teeniefilm oder auch Highschool-Thriller mit entsprechend bekannten Elementen daher, bei dem selbst die überraschend heftigen Splatter-Szenen nicht für viel Aufsehen sorgen können. Und schon gar nicht die Inhalte oder Charaktere, die hier auf das absolut nötigste reduziert wurden – und so erst gar keinen Vergleich zur Vielschichtigkeit und Intensität der Anime-Serie zulassen.

Auch in Bezug auf die handwerklichen und technischen Aspekte kann das Urteil eigentlich nur zwiespältig ausfallen, wofür schon die allgemein schwierige Darstellung des Todesgottes oder auch Shinigamis Ryuk spricht. Tatsächlich muten dessen Rückansicht und Silhouette ordentlich gruselig an – aber eben nicht die gerne mal direkt gezeigte Front respektive Gesichtspartie mit ihrem arg künstlichen Anstrich. Immerhin, und so gesehen: im Gegensatz zu den billig-plump wirkenden CGI-Eskapaden der japanischen Realfilme ist hier schon eine kleine Qualitätssteigerung erkennbar. In Bezug auf die Darsteller gilt es, ähnlich schwankendes festzuhalten. Der einst durch eine Kinderband (THE NAKED BROTHERS BAND) bekannt gewordene Nat Wolff beispielsweise ist grundsätzlich eine positive Überraschung – auch wenn er die Aufgabe, den Charakter von Light sinngemäß darzustellen; auch aufgrund des Drehbuchs schlicht unmöglich stemmen kann. Während die Kameraführung, die Wahl der Schauplätze und das das Setdesign inklusive der durchdachten Beleuchtung weitestgehend stimmig ausfallen; haben sich die Macher aber spätestens mit dem Soundtrack einen echten Fauxpas geleistet. Schließlich hätte man kaum noch unpassendere und noch aufdringlicher inszenierte Poprock-Titel wählen können als beispielsweise in Bezug auf die spätere Riesenrad-Szene.

Schlussendlich: mit der 2017’er Version von DEATH NOTE sind die Verantwortlichen ein Wagnis eingegangen. Ein Wagnis, dass es so allerdings schön öfter gab – und in nur selten wirklich zufriedenstellenden Fernost-Portierungen mündete, sei es in Bezug auf Manga-, Anime- oder Realfilmadaptionen. Daran ändert auch der neue DEATH NOTE-Film nichts – der alles andere als ein Meilenstein geworden ist, andererseits aber auch noch viel ärger hätte ausfallen können. Dennoch, selbst im besten Fall reicht es hier nur für eine eher besondere respektive indirekte Daseinsberechtigung – die darin besteht, zufällig geköderte Franchise-Neueinsteiger für die zugrundeliegenden Vorlagen zu sensibilisieren.

Bilder / Promofotos / Screenshots: © Netflix / James Dittiger

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„DEATH NOTE Minus DEATH NOTE, oder: es ging schief, was schief gehen musste.“

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Filmkritik: „A Monster Calls / 7 Minuten Nach Mitternacht“ (2017)

Filmtyp: Spielfilm
Basierend Auf: A Monster Calls (Roman)
Regie: Juan Antonio Bayona
Mit: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 109 Minuten
FSK: ab 12 freigegeben
Genre: Drama / Fantasy
Tags: Monster | Kind | Junge | Familie | Schicksal | Coming Of Age

Ein Monster, mit dem man rechnen muss.

Inhalt: Die mittlerweile von ihrem Mann getrennt lebende Elizabeth (Felicity Jones) hat es als alleinerziehende wahrlich nicht leicht. Dabei ist ihr im Ausland lebender und somit nur noch sporadisch auftauchender Ex-Mann, der sich offenbar nur selten um ihren gemeinsamen Sohn Conor (Lewis MacDougall) kümmern kann; noch das geringste Problem. Schließlich leidet Elizabeth an einer schweren Krebserkrankung, die es ihr zusehends unmöglich macht ausreichend für ihren heranwachsenden Sohn zu sorgen. Davon wissen natürlich auch die anderen Bewohner der Gegend – etwa die Mitschüler aus Conor’s Klasse. Anstatt jedoch Unterstützung zu erfahren, wird er ständig nur gehänselt – sodass sich Conor am liebsten in sein Zimmer zurückzieht, und mithilfe seiner Zeichnungen in seine eigene Gedankenwelt abtaucht. Eines Tages wird er dann zeuge eines denkwürdigen Ereignisses: die alte Eibe in der Nähe seines Hauses wird plötzlich lebendig, schreitet auf den verdutzten Conor zu – und nimmt Kontakt mit ihm auf. Gleichzeitig mischt sich Conor’s strenge Großmutter (Sigourney Weaver) in die Familienangelegenheiten ein, und beschließt Conor erst einmal bei sich aufzunehmen – und das so lange, bis es seine Mutter endlich wieder besser gehen würde.

Kritik: Mit A MONSTER CALLS wagt sich der aus Spanien stammende und vornehmlich durch seine Arbeiten an DAS WAISENHAUS (siehe Filmkritik) sowie dem Tsunami-Drama THE IMPOSSIBLE bekannt gewordene Regisseur Juan Antonio Bayona erstmals an die Verfilmung einer gleichnamigen Jugendbuch-Vorlage von Patrick Ness. Die ist in Anbetracht ihres Erscheinens im Jahre 2011 noch relativ frisch, basiert eigentlich auf einer Idee der an Krebs verstorbenen irisch-britischen Schriftstellerin Siobhan Dowd – und hat trotz des offensichtlichen Monster-Sujets weniger mit einem fantastischen Märchen am Hut als eventuell erwartet. Vielmehr wird dem Zuschauer überraschend schnell nahegelegt, dass es sich bei der aus einer alten Eibe herausformenden Baum-Kreatur um ein rein imaginäres Konstrukt des jungen Hauptprotagonisten Conor handelt – der als Heranwachsender früh lernen muss, mit der schweren und aller Wahrscheinlichkeit nach tödlichen Krebserkrankung seiner Mutter umzugehen.

Dass A MONSTER CALLS somit alles andere als ein typischer Fantasy- oder auch Monsterfilm geworden ist, ist jedoch keine Enttäuschung – sondern seine eigentliche Stärke. Zumindest wenn es weiß und man sich entsprechend darauf einlässt, darauf einlassen kann. Anders gesagt: die spezifischen Darstellungen der behandelten kindlichen Gedankenwelt sind das markanteste (und eventuell auch das gewöhnungsbedürftige) Alleinstellungsmerkmal des Films – im Kern und davon unabhängig aber bleibt er ein unerwartet aufwühlendes und Charakter-intensives Drama mit starken Coming Of Age-Elementen. Ein Drama; dass wie so viele andere von seinen Charakteren und einer möglichst nachvollziehbaren Schilderung der Ereignissen lebt – was Juan Antonio Bayona in seiner Ausführung auch gelingt, trotz oder gerade wegen der ungewöhnlichen Darstellung mit dem hier gezeigten Monster als versinnbildlichtem inneren Dämon.

Trotz einiger guter Ansätze und der in diesem Falle ausnahmsweise mal positiv zu attribuierenden Mogelpackung hat A MONSTER CALLS aber auch mit einigen Schwächen zu kämpfen. Beispielsweise ist festzustellen, dass sich der Film gerade in Bezug auf seinen Auftakt und den ersten Begegnungen mit dem Monster teils deutlich in die Länge zieht und erst gegen Ende wieder aus dem (emotionalen) Vollen schöpft. Auch die analog dazu immer wieder eingeschobenen Erzähl-Sequenzen in einem speziellen Comic-Look stören – auch wenn sie inhaltlich Gewicht haben – den allgemeinen Filmfluss. Und überhaupt: allzu großartig sehen sie erst gar nicht aus, sodass hier durchaus der Wunsch nach einem anderen Stilmittel laut werden könnte. Für das Monster selbst gilt dann eigentlich nur eines: vor allem aus der Ferne sowie in den nett gemachten Verwurzelungs-Szenen macht es ordentlich was her, in den Nahaufnahmen macht es einen eher befremdlichen bis unschönen Eindruck.

Gut also, dass hier eher die Musik respektive die Sprache den Ton angibt – und sowohl Liam Neeson (in der Originalfassung) als auch der Synchronsprecher Bernd Rumpf stimmig durch die Gegend grummeln, stets unterstützt vom mystisch-atmosphärischen Soundtrack aus der Feder von Fernando Velázquez. Noch wichtiger als das ist aber die erbrachte Leistung der Darsteller, die in einem Drama wie diesem über vieles entscheidet – woran auch noch so viele Effekte und Traumsequenzen nichts ändern. Mit einem starken Lewis MacDougall (u.a. PAN, siehe Filmkritik>7span>) in der Hauptrolle haben die Verantwortlichen aber alles richtig gemacht – seine Darbietung überzeugt auf ganzer Linie. In Anbetracht der kindlichen Besetzung sollte man indes nicht von einem für alle Altersklassen geeigneten Kinderfilm ausgehen: die offizielle Altersfreigabe ab 12 erweist sich als annehmbare Orientierung, zumal der Film einige düstere Elemente bereithält und inhaltlich vergleichsweise tief greift.

Schlussendlich: A MONSTER CALLS ist Klagelied und Ode an das Leben zugleich, in dem sich Grausamkeit und Schönheit die Klinke in die Hand geben – und präsentiert ein bewegendes Anschauungsbeispiel dafür, wie ein einzelner diese erstaunliche Berg- und Talfahrt der Gefühle erlebt und interpretiert. Und wer genau das erwartet – nicht mehr und nicht weniger – der wird vermutlich auch nicht enttäuscht aus dieser Erfahrung herausgehen.

Bilder / Promofotos / Screenshots: © A Monster Calls A.I.E. / Quim Vives

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„Eine visuell und inszenatorisch ebenso einzigartig wie gewöhnungsbedürftig umgesetzte; unabhängig davon aber überraschend starke, intensive und bewegende Coming Of Age-Geschichte.“

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Filmkritik: „Split“ (2017)

Originaltitel: Split
Regie: M. Night Shyamalan
Mit: James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Betty Buckley u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 117 Minuten
FSK: ab 16 freigegeben
Genre: Thriller, Horror
Tags: Identität | Schizophrenie | Persönlichkeit | Gespalten | Kampf

Guck mal wer da spricht… oder lauf am besten weit, weit weg.

Kurzinhalt: Eines Tages, als die junge Casey (Anya Taylor-Joy) und ihre beiden Freundinnen Claire (Haley Lu Richardson) und Marcia (Jessica Sula) gerade von einer Einkaufstour zu ihrem Auto zurückkehren; taucht plötzlich ein unbekannter Mann (James McAvoy) auf. Nachdem er die einzige andere männliche Person in der Nähe betäubt hat, setzt er sich plötzlich zu den drei Mädchen ins Fahrzeug – und betäubt auch diese. Als die drei in einem kleinen und offenbar gut gesicherten Raum wieder zu sich kommen, scheint ihre Lage recht ausweglos – zumal sie bald darauf ihren Peiniger kennenlernen. Der stellt sich den dreien kurzerhand als Kevin vor, stellt erste aggressiv durchgesetzte Forderungen – und legt im weiteren Verlauf ein zunehmend merkwürdig erscheinendes Verhalten an den Tag. Eines, das weit über das zu erwartende Verhalten eines typischen Kidnappers hinausgeht; was auch die Mädchen bemerken – und sich diese Tatsache irgendwie zunutze machen wollen. Doch wie sich zeigt müssen sie bei ihrer angestrebten Flucht nicht nur das Handeln eines einzigen Mannes in Frage stellen… sondern gleich das von 23 Personen, die sich unglaublicherweise alle im selben Körper befinden.

Kritik: 23 und mehr Persönlichkeiten in nur einem Körper, wie soll das denn gehen ? Diese und andere Fragen stellte sich jüngst der erfolgreiche amerikanische Regisseur und Drehbuchautor M. Night Shyamalan, dem spätestens nach seiner Arbeit am Mystery-Thriller THE SIXTH SENSE (1999) so gut wie alle Türen in Hollywood offenstehen. Nach einigen klar auf ein Mainstream-Publikum ausgerichteten – und auch sonst eher mäßigen Popcornkino-Werken wie unter anderem AFTER EARTH oder DIE LEGENDE VON AANG (siehe Review) – scheint sich das 1970 geborene Multitalent nun wieder etwas mehr zu trauen. Schließlich erzählt SPLIT die Geschichte eines Mannes mit mehr als nur einer handvoll zusätzlicher Persönlichkeiten – und verspricht dabei, ein durchdachter Psycho-Thriller mit einer gleichermaßen starken wie markanten Hauptfigur zu sein. Eben so, wie man es schon in potentiellen Vorbildern a’la IDENTITÄT (2004) sehen konnte – oder aber in Shyamalan’s früherem Werk UNBREAKABLE, zu dem SPLIT letztendlich auch einen stärkeren Bezug aufbaut als vermutet. Somit scheint es tatsächlich so, als hätte Shyamalan eine größere Vision die über den beiden auf den ersten Blick völlig verschiedenen Handlungsuniversen von UNBREAKABLE und SPLIT schwebt – wobei es eigentlich kaum noch überraschend ist, dass bereits entsprechende Nachfolger geplant sind.

Mindestens eines ist ihm dabei hoch anzurechnen: dass er viele der bei einer Filmproduktion anfallenden Arbeiten selbst übernimmt, und somit nicht nur Regisseur und Drehbuchautor fungiert – sondern auch als Produzent und sogar Darsteller. Anders gesagt: Shyamalan übernimmt die volle Verantwortung für seinen Erfolg oder sein Scheitern, und ist stets darauf bedacht dass seine Filme eine unverkennbare Handschrift tragen. Gerade das ist ihm im Falle von SPLIT auch gelungen – dank der hervorragenden Kameraführung, der stimmigen Inszenierung der Schauplätze und dem wenn man so will ausgelassenen Spiel der Darsteller besitzt der Film durchaus eine unverwechselbare Identität; übrigens ganz im Gegensatz zum wunderlichen Hauptprotagonisten. Ob das aber ausreicht, um einen auch mal etwas zäh vorankommenden Film wie diesen zu tragen ist eine andere Frage – unter Umständen sogar eine entscheidende. Schließlich macht sich mindestens ein gravierenderes Problem bemerkbar, abgesehen von einigen kleineren und im Genre eher üblichen Unstimmigkeiten: SPLIT weiß schlicht nicht so Recht, was er nun sein möchte. Denn auch wenn es zunächst verdächtig danach aussieht, bleibt es nicht bei dem Versuch einer halbwegs authentischen Darstellung in Richtung eines verstörenden Psycho-Thrillers. SPLIT nimmt vor allem in Bezug auf sein pompöses Finale wesentlich wildere Züge an, und driftet dabei fast schon in Bereiche die man bei einem vergleichsweise ernsten Grundton wie dem hier vorgelegten definitiv vermeiden sollte.

Somit sind es auch nicht die 23 Persönlichkeiten respektive deren plötzlicher Wechsel, die zu einem Problem in Richtung einer unbedingt zu vermeidenden Lächerlichkeit avancieren – auch wenn die dahinterstehende Psychologie durchaus etwas glaubwürdiger und nachvollziehbarer hätte dargelegt werden können. Immerhin beschränkt sich Shyamalan auf eine übersichtliche Anzahl der in Erscheinung tretenden Personen, was gut ist und dem Film keineswegs negativ ausgelegt werden sollte. Weitaus ernüchternder wiegt der sich trotz dessen aufdrängende Fakt, dass SPLIT letztendlich doch mehr von einem Horrorfilm mit Übermensch-Syndrom (dieser Begriff wird wohl noch eine große Rolle spielen) oder wahlweise auch eines fantastisch anmutenden Schauermärchens hat. Eines, das trotz der offensichtlichen Übertreibungen darauf beharrt einen unbedingten Bezug zur Realität zu haben (was auch die großzügigen wissenschaftlichen Abhandlungen innerhalb des Films vermuten lassen) und den Zuschauer eben damit zu schocken. Und dieses Konzept geht hier nicht wirklich auf, was umso enttäuschender ist wenn man die noch immer vorhandenen Vorzüge des Films betrachtet.

Allen voran ist hier sicherlich Hauptdarsteller James McAvoy zu nennen – der den verschiedenen Persönlichkeiten nicht nur ein ausdrucksstarkes Gesicht mit einem entsprechend grandiosen Mienenspiel, sondern auch so etwas wie eine Seele einhaucht. Auch seine Kollegin Anya Taylor-Joy, die als einzige Gefangene über den Staus typischer (und ärgerlicher) Opfer-Klischees hinauskommt; macht ihre Sache gut – wobei man allerdings noch etwas mehr aus ihrem Charakter, den Flashbacks in Bezug auf ihre eigene Vergangenheit und den Dialogen hätte herausholen müssen. Im Zusammenspiel mit der bereits erwähnten, technisch hervorragenden Umsetzung und dem subtilen Soundtrack macht SPLIT so zumindest hinsichtlich seines Gesamteindrucks einen mehr als annehmbaren Eindruck. Einen, der aber noch so viel stärker hätte ausfallen können; ausfallen müssen. Ob es die Nachfolger besser machen, wird sich zeigen – es wäre jedenfalls nicht der Regelfall.

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„Letztendlich sind es ausgerechnet die Identitätsschwierigkeiten des Films an sich, die noch größeres verhindern.“

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Filmkritik: „Maleficent – Die Dunkle Fee“ (2014)

Originaltitel: Maleficent
Regie: Robert Stromberg
Mit: Angelina Jolie, Elle Fanning, Sharlto Copley u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 97 Minuten
FSK: ab 6 freigegeben
Genre: Fantasy, Abenteuer
Tags: Dornröschen | Märchen | Fee | Schloss | Dornenwald | Prinz

Wenn selbst Feen einmal vom rechten Pfad abkommen…

Kurzinhalt: Es war einmal eine junge Fee mit dem Namen Maleficent (Isobelle Molloy) – die in einem friedlichen Waldkönigreich lebte und trotz ihrer beeindruckenden Teufelshörner keiner Fliege etwas zuleide tun konnte. Aus dem benachbarten Menschenreich erschien ihr eines Tages der junge Stefan (Michael Higgins), mit dem sie sich schnell anfreundete. Doch wenngleich Maleficent das erste Mal so etwas wie echte Zuneigung für einen Menschen empfand und Stefan offenbar ähnlich fühlte; entschied er sich letztendlich doch dazu, sein Glück in der Welt der Menschen zu suchen. Und tatsächlich: nach einigen Jahren scheint ihm sein eigentliches Ziel in greifbare Nähe zu rücken. Der alternde König Henry (Kenneth Cranham) will kurz vor seinem Tod einen würdigen Nachfolger bestimmen – und bietet schlichtweg demjenigen die Thronfolge an, der ihm den Kopf von Maleficent bringen würde. Die ist nunmehr erwachsen geworden (Angelina Jolie), und fällt auf Stefans (Sharlto Copley) erneute Annäherung herein – woraufhin sie ihre mächtigen Flügel verliert. Die präsentiert Stefan kurzerhand dem König – und wird so zum neuen Herrscher. Doch eigentlich hätte er damit rechnen müssen, dass Maleficent eines Tages auf Rache schwören würde…

Kritik: MALEFICENT – DIE DUNKLE FEE ist ein bombastisch aufgemachter Fantasy-Blockbuster aus dem Hause Disney, dessen Geschichte sich eindeutig auf das bekannte DORNRÖSCHEN-Märchen der Gebrüder Grimm beziehungsweise des eigentlichen französischen Verfassers Charles Perrault stützt. Immerhin: trotz des wie so oft anzuberaumenden Vorurteils, dass Hollywood schon längst die Ideen ausgegangen sind und nach wie vor unendlich viele Sequels, Remakes und Spin-Offs produziert werden oder eher werden müssen; kann man MALEFICENT durchaus etwas zugute halten. Die Verantwortlichen haben nicht bloß altbekanntes kopiert respektive stumpf neu aufgelegt – sondern sich darüber hinaus auch eigene Gedanken gemacht. Die moderne Disney-Version von DORNRÖSCHEN, die man auch als Realfilmversion des Disney-Klassikers DORNRÖSCHEN UND DER PRINZ aus dem Jahre 1959 betrachten könnte; sieht somit tatsächlich einige neue Inhalte und interessante Twists vor. Zu erwarten war indes, dass sich das eigentliche Novum von MALEFICENT eher auf seine großzügig ausgenutzten Möglichkeiten hinsichtlich einer möglichst bombastischen Visualisierungsarbeit entdecken lässt.

Glücklicherweise verkehrt sich diese in Hollywood gerne mal zum Scheitern verurteilte Herangehensweise im Falle von MALEFICENT aber nichts ins negative – zumindest längst nicht so, wie es eventuell zu befürchten war. Schließlich ist die hier gezeichnete Fantasy-Welt trotz ihrer ausufernden Farbenspiele, den einstweilen etwas zu sehr auf kindlich getrimmten Märchenwesen und der im Akkord eingesetzten CGI-Effekte nett anzusehen – und wirkt insgesamt weitaus inspirierter und stimmiger als etwa die Welten von AVATAR, ALICE IM WUNDERLAND oder SNOW WHITE AND THE HUNTSMAN. Auch der Soundtrack von James Newton Howard macht eine sehr gute Figur – und ist mit seiner magischen, dabei aber niemals allzu kitschigen oder aufdringlichen Atmosphäre irgendwo zwischen den Werken von P.J. Hogan (etwa: PETER PAN) und Danny Elfman (etwa: EDWARD MIT DEN SCHERENHÄNDEN) zu verorten. Das Problem ist lediglich, dass sich in der hübschen Welt von MALEFICENT weitaus weniger abspielt als anderswo – und viele Elemente im Reich der Feen und Fabelwesen ihre einzige Daseinsberechtigung in Form eher oberflächlicher Schauwerte haben.

Doch dafür überzeugt MALEFICENT immer dann, wenn es um seine zwischenmenschlichen Untertöne geht – die einstweilen sogar ganz und gar existentielle Ausmaße annehmen können. Dabei geht es vornehmlich weniger um die beiden Königreiche an sich, ihre Bewohner oder die Tatsache; dass sie aus einem hier nicht wirklich erläuterten Grund verfeindet sind – sondern in erster Linie um zwei besondere Charaktere und ihre innerliche Zerrissenheit. Die enthaltenen Botschaften bezüglich der ganz großen Themen wie Selbsterkenntnis, Verrat und Liebe sind dabei einerseits angenehm kindgerecht verpackt und mit klaren Fronten versehen – andererseits und je nach Facón aber auch tiefer interpretierbar. Einen großen Bonuspunkt gibt es beispielsweise dafür, dass die sich anbahnende Liebesgeschichte zwischen Aurora und einem plötzlich auftauchenden Prinzen eben nicht als patente Lösung für alle sonst typischen DORNRÖSCHEN-Probleme anbietet – sondern stattdessen ein anderer Weg gefunden wird. Die Blöße gibt sich Disney dieses Mal jedenfalls nicht – weder in Bezug auf die dargestellten Inhalte, noch auf die handwerklichen Aspekte oder die letztendlich etablierte Gesamtwirkung.

Selbst die relative One-Women-Show von Angelina Jolie ist dem Film nicht zwingend negativ anzukreiden – zumal ihre schauspielerische Leistung hier uneingeschränkt überzeugend ausfällt, und sich ihre eingefleischten Fans zu Recht über ihren ausgedehnten Auftritt freuen können. Etwas schade ist nur, dass alle anderen Beteiligten durch ihre gleichermaßen starke wie einnehmende Präsenz dezent in den Hintergrund rücken – wie etwa Sam Riley (CONTROL) in seiner durchaus sympathischen rolle des verzauberten Vogels Diaval, die man ruhig noch hätte ausbauen können. Das abgelieferte Porträt von Elle Fanning dagegen gehört sicherlich nicht zu den besten ihrer Karriere – was aber weniger an ihr selbst, als vielmehr am wenig Spielraum vorsehenden Drehbuch liegt.

Schlussendlich: die ganz große, einst für Disney typische Magie bleibt zwar aus – aber dennoch hält MALEFICENT als Fantasy-Blockbuster mit großen Schauwerten locker, was er verspricht. Dank seiner herrlich bunten Fantasy-Welt, seiner leicht abgewandelten DORNRÖSCHEN-Geschichte, seinem durchaus charmanten Witz und den nicht uninteressanten Botschaften bietet er einige höchst unterhaltsame Film-Minuten für die ganze Familie.

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„Bunt, abenteuerlich, unterhaltsam – eine überraschend gelungene Neuauflage des bekannten Märchens.“

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Filmkritik: „Die Insel Der Besonderen Kinder“ (2016)

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Originaltitel: Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children
Regie: Tim Burton
Mit: Eva Green, Asa Butterfield, Samuel L. Jackson u.a.
Land: USA, Belgien, Großbritannien
Laufzeit: ca. 123 Minuten
FSK: ab 12 freigegeben
Genre: Abenteuer, Fantasy, Familie
Tags: Kinder | Insel | Außenseiter | Fähigkeiten | Geheimnis

Von besonderen Kindern – und der Kraft des Multiversums.

Kurzinhalt: Was wäre eine Kindheit nur ohne das Erlebnis fantasievoller Geschichten ? Auch der junge Jacob (Asa Butterfield) hatte stets das Glück, vielen abenteuerlichen Erzählungen seines geliebten Großvaters Abraham (Terence Stamp) lauschen zu können. Dabei waren das längst nicht nur die typischen Monstergeschichten – häufig ging es auch um eine Insel, auf der mehrere offenbar besonders befähigte Kinder verborgen von der Außenwelt leben und sich vor irgendetwas verstecken. Diese Vorstellung gefiel Jacob vor allem, als er noch jünger war – doch im Laufe der Zeit wurde sein Interesse an den fantastischen Geschichten zusehends geringer. Unglücklicherweise kommt der Tag, an dem er das bitter bereuen würde viel zu schnell: als Jacob 16 ist, wird sein Großvater unter mysteriösen Umständen getötet. Jedoch nicht, ohne Jacob zuvor noch etwas verheißungsvolles zuzuflüstern – woraufhin er sich unter einem Vorwand zu der Insel aufmacht, auf der sein Opa während des Zweiten Weltkriegs tatsächlich in einem Kinderheim wohnte. Jacob will schließlich nicht nur herausfinden, was es mit dem Tod seines Großvaters auf sich hat – sondern auch was an all den Geschichten wirklich dran war…

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Kritik: Zweifelsohne – der groß angelegte Fantasy-Blockbuster DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER wurde nicht nur von Fans des gleichermaßen bunten wie exzentrischen Regisseurs Tim Burton heiß erwartet. So konnten sich auch einige, die sich schon mit der gleichnamigen Buchvorlage des US-Amerikanischen Autors Ransom Riggs befasst hatten; auf die bestenfalls gelungene Portierung des ungewöhnlichen Stoffes freuen. Interessant ist, dass die entsprechende Vorlage aus dem Jahre 2011 stammt – und damit zu den deutlich jüngeren gehört, die erstmals einen Weg auf die große Kinoleinwand finden. Doch auch wenn sich die Frage, in wie weit Tim Burton und sein Gefolge dem Originalstoff auch tatsächlich treu geblieben sind direkt anbietet; soll diese Rezension den Film eher als alleinstehendes Werk betrachten. Schließlich muss DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER auch als eben solches funktionieren – im glücklichsten aller Fälle, versteht sich. Wenn analog dazu auch die Kenner der Buchvorlage nicht allzu sehr vergrämt werden, scheint die Sache schon halbwegs geritzt.

Und tatsächlich sieht es vor allem auf den ersten Blick nicht schlecht aus für DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER. Fakt ist, dass der Film die versprochene und wenn man so will typische Handschrift von Tim Burton trägt – und das nicht nur in Bezug auf die vergleichsweise bunte Farbgebung oder die magisch anmutenden Schauplätze. So erhält auch das bei Burton häufiger auftretende, übergeordnete Thema des Erwachsenwerdens seinen Platz – ebenso wie weitere unverkennbare Details, die sich speziell in Bezug auf die Darstellung der Nebencharaktere äußern. Doch während das einigen bereits reichen könnte, sieht es in Bezug auf eine eventuell von manchen gewünschte letzte Konsequenz a’la Burton nicht ganz so gut aus. Anders gesagt: es steckt zwar ein Tim Burton in DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER – aber eben auch nicht mit Nachdruck oder in der Form, dass er in irgendeiner Art und Weise für Aufsehen sorgen könnte.

Ob der Film als somit spürbar weniger schrulliges, aber trotzdem gut durchdachtes und wirksam präsentiertes Fantasy-Abenteuer durchgehen kann ist eine andere Frage – bei der längst nicht nur die diskutable Einflussnahme von Tim Burton zu Rate zu ziehen ist. Eine vorschnelle Beurteilung bietet sich hier allerdings nicht an. Erst Recht nicht da es scheint, als müsste man den Film in zwei unterschiedliche Kernkompetenzen gliedern.

Die eine besteht schlicht daraus, einen möglichst abenteuerlichen und unterhaltsamen Fantasy-Streifen auf die Beine zu stellen. Und das mit allem was dazu gehört – etwa einer möglichst auch emotional packenden Geschichte, ansprechenden Kulissen, liebenswerten Charakteren mit Identifikationsmöglichkeiten; und nicht zuletzt einer handwerklich und technisch zufriedenstellenden Umsetzung. Und tatsächlich: gerade in dieser Hinsicht sammelt DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER markante Pluspunkte. Die Geschichte ist ungewöhnlich genug um den Zuschauer schnell in ihren Bann zu ziehen, die Schauplätze und die schnellen Wechsel zwischen verschiedenen Orten und Zeiten werden perfekt inszeniert, die Bandbreite an vorgestellten Charakteren ist vielfältig und interessant. Hinzu kommt, dass die Entscheidung Asa Butterfield (u.a. ENDERS GAME) für die Hauptrolle zu besetzen eine ganz und gar vortreffliche war. Auch wenn sein Charakterporträt sicherlich nicht zu den spektakulärsten gehört, holt er das Maximum aus den ihm gegebenen Möglichkeiten – und sorgt im Zusammenspiel mit der ebenfalls gelungenen Darbietung von Eva Green als autoritäres Vogelwesen schnell für entsprechende Sympathien.

Etwas schade ist dagegen, dass die anderen Kinder – also vornehmlich die, die DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER erst zu einer solchen machen; eher weniger Aufmerksamkeit erhalten und im schlimmsten Fall zu bloßen Randfiguren avancieren. Solchen, deren Fähigkeiten man früher oder später zwar noch gut gebrauchen könnte – doch ein wenig mehr Hintergrundinformationen oder auch eigene kurze Subplots hätten dem Film sicher gut getan. Stattdessen bringt er umso mehr Energie und Zeit für seinen Einführungspart auf – der damit etwas länglicher ausfällt als nötig. Wie schwer man derartige, sicherlich kleinere Schwächen gewichtet muss man für sich selbst entscheiden – was sicher auch für die sich anbahnende, große Liebesgeschichte des Films gilt. Dabei stört es nicht gar nicht mal, dass sie als in Hollywood fast schon obligatorische Maßnahme grundsätzlich vorkommt – doch die Art und Weise wie sie inszeniert wurde schon eher. Deutliche Probleme finden sich hier schließlich nicht nur in Bezug auf die relativ beliebig und vorschnell wirkende Entstehung – sondern vor allem im Hinblick auf den weiteren, zusehends immer unglaubwürdigeren Verlauf. Dass Asa Butterfield und seine Kollegin Ella Purnell als Love-Interest Emma in den gemeinsam Szenen ihre schwächsten Momente haben, spielt hier ebenfalls mit hinein.

Doch ganz egal wie man es auch dreht und wendet: unter dem Strich ist DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER ein sichtlich aufwendiger, interessanter; und dabei vor allem visuell und akustisch ansprechender Fantasy-Streifen geworden – der seine auffälligsten Schwächen in der Handhabung der Charakterporträts hat. Das gilt zumindest für den einen Kernaspekt des Films und für all jene, denen bereits das reicht – oder die sich gar nicht erst näher mit dem zweiten Kernaspekt befassen wollen. Der besteht vornehmlich aus allem, was DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER wirklich besonders macht – wortwörtlich, aber auch in Bezug auf den Film im gesamten.

Anders gesagt: es geht um die Dinge, die sich so nur im Universum des Franchise abspielen – und die zumindest theoretisch das Zeug dazu gehabt hätten, die Zuschauer nachhaltig zu fesseln und zu wilden Interpretationsausflügen anzuregen. Denn: wen würde es nicht interessieren, wie es sich wirklich mit den seltsamen Zeitblasen verhält ? Wie lange gibt es sie schon, wie genau funktionieren sie wirklich, wer kann sie erschaffen und warum ? Und warum entscheidet man sich ausgerechnet für eine vergleichsweise komplizierte Variante wie diese, was bedeutet die Bürde vorerst nicht altern zu können ? Was hat es mit den Kindern auf sich, woher kommen ihre Fähigkeiten ? Wurden sie von ihren Familien verstoßen, liefen sie eines Tages davon; weiß die Außenwelt zumindest von deren Existenz ? Man merkt schnell: gerade in der potentiell ansprechenden Disziplin des Fantastischen scheitert DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER geradezu kläglich – was sicher eine kleine Überraschung ist.

Ein nennenswert intensives Filmerlebnis erlaubt die arg oberflächliche Erzählweise jedenfalls nicht. Mehr noch: dank der fehlenden Herausgabe von Details ergeben sich mitunter drastische Logik-Probleme. Entweder bleibt zu viel offen, oder ergibt nach näherem Hinsehen schlicht keinen Sinn. Insbesondere die Darstellung der Zeitreise-Mechanik wirkt dabei besonders unausgegoren und stets so, als wäre sie nur darauf ausgerichtet ein bestmögliches Happy-End für (fast) alle Beteiligten zu erreichen. Das erinnert an andere Filme mit einer ähnlichen Herangehensweise: wenn gewisse Dinge nicht anders zu erklären sind, bedient man sich einfach der Zeitreisenthematik – allerdings ohne dann zumindest diese zu erklären; und sei es nur in einem noch so merkwürdigen Ansatz. Es ist eben nicht unwichtig, ob man sich auch wirklich Gedanken um die Elemente macht; die man in (s)einem Film verpackt.

Schlussendlich: DIE INSEL DER BESONDEREN KINDER ist eine kleine Enttäuschung. Vornehmlich deshalb, da es sich um ein nur auf den ersten Blick herausragendes Fantasy-Abenteuer handelt – das immerhin mit einem sehr guten handwerklichen Part und einer bildgewaltigen Inszenierung glänzt. Geht es aber um eine tiefere Einsicht in das anberaumte fantastische Universum, den letzten Feinschliff an den Charakteren und das schlicht außergewöhnlich spannende, auch nachhaltig faszinierende – so schlagen Tim Burton’s Ambitionen fehl.


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„Der Film unterhält, ja – das verschenkte Potential ist jedoch massiv.“

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Filmkritik: „Warcraft: The Beginning“ (2016)

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Originaltitel: Warcraft
Regie: Duncan Jones
Mit: Travis Fimmel, Toby Kebbell, Paula Patton u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 124 Minuten
FSK: ab 12 freigegeben
Genre: Fantasy, Action, Abenteuer
Tags: Warcraft | Blizzard | WoW | WC III | Realfilm | Adaption

Als hätten sich DER HOBBIT und AVATAR kurz ins stille Kämmerlein zurückgezogen.

Kurzinhalt: In Azeroth, dem hiesigen Königreich der Menschen; herrscht ein seit vielen Jahren währender Frieden. Der gütige König Llane Wrynn (Dominic Cooper) genießt die Situation, die ihm derzeit wenig abzuverlangen scheint – zumindest bis eine wilde Horde Orks durch ein mächtiges Portal stürzt und droht, das Land mitsamt seiner Bewohner zu überrennen. Angeführt werden sie von einem furchteinflößenden Ork-Magier namens Gul’dan (Daniel Wu), der sich für sein Vorhaben einer besonders gefährlichen Macht bedient. So kommt es, dass sich selbst einige seiner Verbündeten darüber streiten ob der eingeschlagene Weg tatsächlich der richtige ist. Doch obwohl es scheint, als ob die Orks in Anbetracht der Zerstörung ihrer Heimatwelt ohnehin keine Wahl hätten; entscheidet sich ausgerechnet Ork-Häuptling Durotan (Toby Kebbell) zu einem Bündnis mit den Menschen um Anduin Lothar (Travis Fimmel). Das Problem: nicht nur auf Seiten der Orks sind die Lager gespalten, auch die Menschen sind mit internen Machtkämpfen beschäftigt – wobei speziell der eigentliche Wächter des Menschenreiches, Medivh (Ben Foster) nicht mit offenen Karten zu spielen scheint.

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Kritik: Achtung, Spoiler ! Nun also ist er endlich da, der erste offizielle WARCRAFT-Realfilm – der sich explizit auf das bekannte Computerspiel-Franchise von BLIZZARD sowie die dazugehörigen Buch-Adaptionen bezieht. Ein Franchise, das seit jeher einen hohen Beliebtheitsgrad bei Spielern und Fantasy-Freunden genießt; seinen eigentlichen kommerziellen Höhepunkt aber erst mit dem seit 2004 in vielen Ländern gespielten Online-Spiel WORLD OF WARCRAFT fand. Doch während jenes sogenannte MMORPG vor allem auf unendliche Spielstunden im Konkurrenzkampf mit anderen Spielern abzielt, glänzten die vornehmlich offline zu spielenden Vorgänger mit der Zeichnung einer glaubhaften Spielwelt und einer beeindruckenden atmosphärischen Dichte – was eventuell auch den Ausschlag in Richtung einer potentiellen Real-Verfilmung gegeben haben könnte. Schließlich versprühten schon einige der frühen Zwischensequenzen aus älteren WARCRAFT-Spielen eine gewisse Magie, und etablierten nicht zuletzt durch den großen Konflikt zwischen verschiedenen Rassen (hier hauptsächlich den Menschen, Orks und Elfen; aber auch die Natur selbst spielt eine Große Rolle) eine enorme Spannung.

Und nun kommt die knapp 130 Millionen US-Dollar schwere Adaption WARCRAFT – THE BEGINNING (im Original nur WARCRAFT) daher, der man zumindest eines nicht nachsagen kann – dass sie ihrem Titel nicht gerecht werden würde. Tatsächlich handelt es sich hier lediglich um einen Auftakt-Film einer größeren Filmreihe, mit einer bisher unbekannten Zahl an Nachfolgern – was Vor- und Nachteile hat. Die erste diesbezügliche Überraschung ist, dass man trotz der möglichen Aufsplittung des geplanten Inhaltes auf mehrere Filme den Fuß dennoch nicht vom Gaspedal genommen hat – und die ersten Minuten des Films vor allem Franchise-Neulinge überrumpeln könnten. Hinzu kommt dass sich gerade die, aber auch viele andere erst einmal an die reichlich bunten Bilder inklusive eines teilweise übernommenen Videospiel-Looks sowie das wilde Gebaren der zu Beginn ausschließlich gezeigten Orks gewöhnen müssen.

Jene erste Phase der Eingewöhnung und eine trotz des hohen Erzähltempos unbedingt notwendige Geduld wird im weiteren Verlauf jedoch eher belohnt als negativ untermauert: WARCRAFT beginnt erst nach und nach mit der Ausführung einiger wichtiger Hintergrundinformationen, führt wichtige Charaktere vergleichsweise spät ein – und wird dementsprechend auch erst in der zweiten Hälfte atmosphärisch dichter. Die Folge: obwohl man sich über den etwas holprigen Start des Films streiten könnte, ist den Machern eines in jedem Fall gelungen – WARCRAFT ist eben nicht das eventuell von einigen erwartete seelenlose Effektspektakel geworden. Wohl auch, da sich die Namen der Verantwortlichen ausnahmsweise mal ein wenig anders lesen als man es sonst von derartigen Fantasy-Blockbustern gewöhnt ist. Der britische Regisseur Duncan Jones war zuvor eher durch ungewöhnliche Projekte wie MOON (Review) oder aber den schon bekannteren Sci-Fi-Kopfzerbrecher SOURCE CODE (Review) aufgefallen, der Soundtrack stammt von Ramin Djawadi (und damit dem Schöpfer der Titelmelodie von GAME OF THRONES), viele der Darsteller wird man dank ihrer hierzulande vergleichsweise unverbrauchten Gesichter nicht direkt wiedererkennen.

Und doch scheinen gerade diese weise gewählt worden zu sein. Travis Fimmel als einer der wichtigsten Krieger auf der Seite der Menschen beispielsweise hat durch seine Erfahrungen in der bekannten TV-Serie VIKINGS schon einiges an wilder Kampferfahrung (inklsuive eines dazu passenden Looks) sammeln können, Paula Patton spielt die Rolle der Völker-verbindenden Vermittlerin gut – und speziell Ben Schnetzer fällt als auflockernder, magisch begabter und niemals zu blödelnder Siedekick überaus positiv auf. Etwas schade ist dagegen, dass man zu den Orks trotz der angestrebten Gleichberechtigung im Sinne der vom Film verteilten Sympathien kaum eine Bindung aufbauen kann. Zum einen, da sie größtenteils als wild schlachtende Horde gezeigt werden – und zum anderen, da die Darsteller unter den Masken-Bergen und den unterstützenden Computereffekten eher entstellt als wirklich verwandelt wirken. Doch handelt es sich hierbei eher um Kleinigkeiten, die wenig oder zumindest weniger Auswirkungen auf den Film im Gesamten haben.

Denn der steht und fällt hauptsächlich durch die Symbiose aus den optisch-inszenatorischen sowie den wichtigen inhaltlichen Elementen – sofern beides in gleichberechtigten Umfang vorhanden ist. Tatsächlich macht WARCRAFT rein optisch eine überraschend gute Figur, trotz des einstweilen heftigen Gewöhnungseffektes und des wenn man so will zusätzlich artifiziellen Looks. Sicher hätte man hie und da noch mehr auf gutes altes Handwerk setzen können, doch scheint der überbordernde Einsatz von computergenerierten Hintergründen und Effekten hier ausnahmsweise mal gut zum Konzept (und damit dem Ursprung des Franchise) zu passen. Enorm vorteilhaft ist, dass größere (Material)-Schlachten eher ausbleiben, die gut choreographierten Kämpfe übersichtlich bleiben – und man keiner inszenatorischen Hektik verfällt. Als besonderes optisches Schmankerl fungieren so eher die eingesetzten Fähigkeiten der magisch begabten Figuren – die sich mal einen Schutzschild formen, einen steinernen Golem zum Leben erwecken; oder aber gleich ein ganzes Gewitter bändigen.

Die Crux oder der Knackpunkt bleibt demnach – und wie so oft – der inhaltlich-erzählerische Ansatz, der allein durch das vorgelegte Tempo sowie zahlreichen ausbleibenden Hintergrundinformationen von Beginn an auf eher wackligen Beinen steht. Immerhin: in Anbetracht der Natur des Films stellen sich keine direkt aufdrängen Fragen, man ist eher gewillt das Ganze so hinzunehmen wie es kommt – wobei einiges auf den folgenden oder eher die folgenden Teile verschoben wird. Dennoch hätte man speziell die Porträts der Menschen und Orks als eigenständige Völker mit verschiedenen Lebensarten und Gebräuchen etwas näher beleuchten können – wie genau hier was funktioniert, bleibt einem zumindest als Nicht-WARCRAFT-Kenner völlig schleierhaft. Entsprechend schwer kann es auch fallen, sich für eine der Seiten zu entscheiden – wobei die bereits erwähnte grausame Natur der Orks wohl ohnehin einen Ausschlag in die aus ihrer Sicht feindliche Richtung geben wird. Trotz etwaiger Versuche, sie hie und da zu vermenschlichen – wie etwa in Bezug auf den Nachwuchs. Fast schon kurios ist dementsprechend wohl auch die angewandte Magie, oder eher das Vorkommen derselben – sicher sehen die Zauber schmuck aus, doch weiterführende Fragen dürfen abermals keine gestellt werden. Das trifft insbesondere jene höheren Magier, die aus unerfindlichen Gründen nicht in das Geschehen eingreifen. Wer hier – aus welchen Quellen auch immer – mehr weiß, ist klar im Vorteil. Der Film jedenfalls lässt vieles, vieles offen.

Fazit: Dass das große WARCRAFT-Realfilmprojekt kein Reinfall geworden ist, ist leicht überraschend und allemal eine schöne Sache. Dabei sind die Vorteile des Films nur zum Teil auf den eigentlichen Ursprung als Computerspiel-Franchise zurückzuführen – wie etwa in Bezug auf die in diesem Sinne passig erscheinende Optik und den Wiedererkennungs-Effekt. Anderes ist letztendlich nur durch richtige Entscheidungen herbeigeführt worden. Wie etwa hinsichtlich des großen Kampfes, bei dem die Fronten eben nicht klar definiert sind – sondern es durchaus auch eine Grauzone respektive entsprechende Ausreißer gibt. Das kommt der Spannung zugute und lässt den Film etwas vielschichtiger wirken – auch wenn man noch einen deutlicheren Fokus auf die Welt, oder eher den faszinierend-abenteuerlichen Schauplatz an sich hätte legen sollen. Doch ob der Film nun durch sein Backup durch das Computerspiel-Franchise profitiert oder nicht – in jedem Fall wirkt er nicht so seelen- und belanglos wie der ansatzweise vergleichbare JOHN CARTER (Review) oder die eventuell etwas ausgelutschen HOBBIT-Geschichten (Review zu Teil 1), mit denen man nicht einmal ansatzweise die Größe der eigentlichen HERR DER RINGE-Trilogie hat erreichen können.

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„Kein Meisterwerk, aber durchaus eine kleine Überraschung und eine der besseren Computerspiel-Verfilmungen. Es bleibt abzuwarten, was noch folgt.“

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Filmkritik: „Pan“ (2015)

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Originaltitel: Pan
Regie: Joe Wright
Mit: Levi Miller (II), Garrett Hedlund, Hugh Jackman u.a.
Land: USA
Laufzeit: ca. 112 Minuten
FSK: ab 12 freigegeben
Genre: Fantasy, Abenteuer
Tags: Peter Pan | Waisenjunge | Waisenkind | Nimmerland

In der heutigen Zeit sicher eines der schöneren Reiseziele.

Kurzinhalt: Der junge Peter (Levi Miller) hat es als Waisenkind in den Zeiten des Zweiten Weltkriegs selten leicht. Er lebt in einem von harter Hand geführten Kinderheim mit vielen weiteren Leidensgenossen, die vergeblich auf die Rückkehr ihrer Eltern oder einen anderen Wink des Schicksals warten. Doch zeigt sich, dass einige der hier beheimateten Kinder plötzlich verschwinden – wohin, dass erfährt bald auch Peter. Schließlich wird er eines Nachts von Piraten entführt – die auf einem fliegenden Schiff zwischen dieser Welt und dem sogenannten Nimmerland hin- und herreisen. Offenbar um neue Arbeitskräfte zu gewinnen und die Waisenkinder wohl niemand vermissen würde. Und so wird auch Peter zu harter Arbeit verdonnert, bis er auf den aufgeweckten James Hook (Garrett Hedlund) trifft – der schon immer von einer Flucht träumte. Doch dafür müssten die beiden erst an Blackbeard (Hugh Jackman) vorbeikommen…

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Kritik: Achtung, Spoiler ! Wer hat noch nicht von ihm gehört – dem stets fröhlich umher fliegenden, niemals erwachsen werdenden Waisenjungen PETER PAN aus Nimmerland ? In der Tat ist die bereits 1904 von James Matthew Barrie uraufgeführte (und ursprünglich für ein älteres Publikum erdachte) Geschichte nach wie vor in aller Munde; und sei es in merklich abgeänderten oder modernisierten Varianten. In Hollywood hat man das Potential des gerne in Kinderbüchern behandelten Stoffes schon lange erkannt – doch bis auf den Disney-Animationsklassiker PETER PAN von 1953, den mit einem erwachsenen PETER PAN auftretenden HOOK von Stephen Spielberg; sowie die gleichermaßen fantasievolle wie dezent kitschige (aber dennoch sehr gute, siehe Kritik) 2003’er Filmversion von Pj Hogan  blieb es bisher eher ruhig um das im wahrsten Sinne des Wortes beflügelnde Franchise. Das allerdings sollte sich 2015 plötzlich doch noch ganz schnell ändern – mit der schlicht PAN betitelten Bombast-Verfilmung von Joe Wright, die satte 150 Millionen US-Dollar Produktionskosten veranschlagt hat. Wobei das zwar ein ganz schöner Brocken ist, selbst für Hollywood-Verhältnisse – aber im Endeffekt doch kein allzu großer Schock. Schließlich war auch die 2003’er Verfilmung mit ebenfalls denkwürdigen 100 Millionen Dollar Kosten alles andere als ein Low-Budget-Projekt.

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Viel wichtiger sollte aber ohnehin die Frage sein, was Joe Wright respektive die verantwortlichen Ideengeber dazu bewegt hat, eine weitere Verfilmung zum Thema anzuberaumen. Vielleicht war es tatsächlich so, dass man der Geschichte eine neue, möglichst an das Original angelehnte Facette abgewinnen wollte – was die wohl beste aller im Raum stehenden Möglichkeiten wäre. Immerhin ist auch genau das der Clou des Films, der erzähltechnisch weitaus früher ansetzt als alles bisherige – und so gesehen eine bis dato unbekannte Vorgeschichte erzählt. Das könnte man natürlich als spannende Angelegenheit betrachten, doch gleichzeitig handelt es sich hier auch um den eigentlichen Fluch des Films. Schließlich besteht mit Filmen wie diesem durchaus die Gefahr, das bestehende PETER PAN-Universum in einer gewissen Art und Weise zu entmystifizieren. In diesem Fall bedeutet das, dass man möglicherweise zu viele Informationen preisgibt respektive neu hinzudichtet. Erst Recht natürlich wenn man annehmen müsste, PAN wäre nur der erste einer ganzen Reihe von neuen PETER PAN-Filmen, die sich jeweils eine andere Ursprungsgeschichte vornehmen. Denn nachdem man nun den jungen Peter auf seinem Weg vom Waisenkind hin zum eigentlichen Titelhelden begleitet hat, böten sich sicher noch etwaige Ausführungen zum neu eingeführten BLACKBEARD an. Oder aber zu Hook, der in diesem Film so gar nicht mit dem bisher etablierten Bild harmonieren will, und keinerlei Anzeichen dafür gibt jemals auf die Seite der bösen Schergen zu wechseln. Oder, oder…

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Doch sollte man nicht den Teufel an die Wand malen. Überhaupt scheint man der eben beschrieben Gefahr in PAN in so weit aus dem Weg zu gehen, als dass man erzählerisch gar nicht erst aus dem Vollen schöpft – sondern eher eine typische Auserwählten-Story in das PETER PAN-Universum pflanzt und den erst zweifelnden Helden mehr und mehr über sich hinauswachsen lässt. Und das zumeist ohne näher auf die angerissenen Charaktere einzugehen. Dass das Schicksal des jungen Peter als Waisenjunge ein eher trauriges ist oder sein sollte, wird beispielsweise nicht offenbar – was aber nicht einmal ansatzweise so gravierend wiegt wie die Tatsache, dass die in PAN gezeichnete Fantasie-Welt (will heißen, Nimmerland) so unglaubwürdig porträtiert wird wie niemals zuvor. Besonders arg hat es dabei wohl die Allein-Herrschaft des sagenhaften Piraten BLACKBEARD getroffen, dessen Motive man kaum nachvollziehen kann – und unter dem zahlreiche entführte Waisenkinder heranwachsen, um für ihn als Sklaven in einer riesigen Mine zu arbeiten. Offenbar aber ohne jemals aufzubegehren oder ihre Handlungen zu hinterfragen. Somit trifft es sich der Film-Logik nach auch gut, dass mit dem jungen Peter ein möglicher Auserwählter nach Nimmerland gelangt – der die Sklaverei abschaffen oder zumindest Pate für die Rebellion stehen könnte. So weit, so gut – und so wenig nachvollziehbar.

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Dass das Porträt von Blackbeard dann ebenfalls ein recht oberflächliches bleibt, ist kein Wunder. Sicher handelte es sich um eine eher leichte Rolle für Hugh Jackman, der hier mindestens ebenso eigentümlich-überzeichnet agiert wie in der IRON MAN-Reihe. Die wohl größten Fehlbesetzungen des Films sind allerdings Garrett Hedlund als Hook (der ein wenig zu sehr Saubermann und Frauenheld geworden ist), Rooney Mara als gefühlt zu alte Tiger Lily; und Amanda Seyfried als wiederum zu junge, wenig Wärme ausstrahlende Mutter von Peter. Die einzige Entdeckung des Films ist daher wohl Newcomer Levi Miller, der die Rolle des Titelhelden engagiert spielt – und zumindest versucht, der erschreckend kühlen Geschichte einen Hauch von Emotionalität einzuverleiben. Das gelingt aber nur äußerst bedingt – schließlich besteht der Film vor allem aus Technik, beziehungsweise definiert sich schlussendlich durch die Präsentation überaus rasanter Kamerafahrten und Spezialeffekte. Damit war zwar zu rechnen – doch ein wenig mehr Herzblut und Gefühl hätte man dennoch investieren können. So aber dümpelt der Film relativ ungalant vor sich her, nur um sich in den bombastischen Action-Szenen zu entladen. Die sorgen dann auch tatsächlich für reichlich Kurzweil – tragen aber wenig zur wichtigen Atmosphäre des Films bei.

Dann gibt es da noch einen ebenfalls recht pompösen Soundtrack von John Powell, der für die nötige Dramatik sorgt – speziell während der beiden neu interpretierten, vom Cast eingesungenen Popmusikstücke (welche die Piraten als Hymnen nutzen) aber eher peinlich und unpassend wirkt. Die letzte große Enttäuschung des Films ist aber sicherlich das Finale, welches nur verdächtig wenig Sinn ergibt. Und dieser verwirrende Eindruck ist beileibe nicht nur auf die plötzlich doch nicht unerhebliche Macht der Elfen zurückzuführen. Es scheint eben das auch bei den Sklaven greifende Prinzip zu gelten: ohne einen Anführer (der allerdings nicht viel mehr macht als anwesend zu sein) läuft hier – warum auch immer – nichts.

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Fazit: Es war zwar irgendwo zu erwarten – und doch ist es ärgerlich, dass PAN als neueste Verfilmung des PETER PAN-Universums kaum begeistern kann. Die Story und insbesondere die Charaktere bleiben flach und werden nach typischen, alles andere als fantastischen Schemata gestrickt – was dazu führt, dass sowohl die Emotionen als auch die nötige Empathie für den Hauptcharakter weitestgehend ausbleiben. Einige markante Fehlbesetzungen und ein insgesamt eher klinischer, überhasteter Gesamteindruck runden das Ganze negativ ab. Wenn PAN etwas zu bieten hat, dann sind das seine Effekte – die mit Ausnahme der Darstellung der wohl fürchterlichsten Vogelgestalten aller Zeiten insgesamt gelungen erscheinen, aber eben nur für einen äußerst oberflächlichen Unterhaltungswert sorgen. Dann doch lieber die 2003’er Verfilmung von Pj Hogan – in der wesentlich mehr Originaltreue und Herzblut steckt.

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„Erschreckend klinisch, substanzlos und bar jeder Form der Magie.“

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Filmkritik: „Attack On Titan Part 2 – The End Of The World“ (2015)

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Originaltitel: Shingeki No Kyojin: Endo Obu Za Wârudo
Regie: Shinji Higuchi
Mit: Haruma Miura, Hiroki Hasegawa, Kiko Mizuhara u.a.
Land: Japan
Laufzeit: ca. 87 Minuten
FSK: noch nicht geprüft
Genre: Fantasy, Action
Tags: Titanen | Riesen | Überlebende | Apokalypse | Mauern

So kann man es natürlich auch machen.

Kurzinhalt: Noch immer ist die große, von drei riesigen Mauern umgebene Festungsstadt in Gefahr – die nach Menschenfleisch gierenden Titanen lassen einfach nicht von ihr ab. Doch nach einem Zwischenfall der eher besonderen Art ist es nun auch der junge Eren Jäger (Haruma Miura), auf den allerlei skeptische Blicke gerichtet sind. Schließlich hatte sich der im Eifer des Gefechts, und nach einigen schwerwiegenden Verletzungen selbst in einen Titanen verwandelt – und so das Leben seiner Freunde gerettet. Doch davon will die Obrigkeit offenbar wenig wissen. Sie verhören den nunmehr zurückverwandelten, gefesselten Eren – und verurteilen ihn zum Tode; und sei es aus Angst ihn nicht kontrollieren zu können. Dann aber taucht ein weiterer ungewöhnlicher Titan auf – und rettet Eren. Für den jungen Kämpfer beginnt eine Odyssee der Fragen – aber auch Antworten, denn sein Entführer entpuppt sich eine der wenigen Personen, die mehr über den Hintergrund der Titanen wissen. Werden die Menschen am Ende doch siegreich sein können, wenn sie Eren als wohl mächtigste Waffe kontrollieren könnten ?

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Kritik: Achtung, Spoiler ! Bereits wenige Wochen nach dem ersten Teil der groß angelegten Realverfilmung zu ATTACK ON TITAN (siehe Review zu Part 1 hier) folgte auch schon das direkte Sequel ATTACK ON TITAN – THE END OF THE WORLD. Zumindest in den japanischen Kinos, internationale Fans werden sich noch etwas länger gedulden müssen. Auch wenn es sich hierbei um eine eher ungewöhnliche Veröffentlichungsstrategie handelt, scheint sie in diesem Fall berechtigt: das Material war zu umfangreich, um es in einem einzelnen Film zu verpacken – doch allzu lange warten lassen wollte man die Fans auch nicht. So zumindest lautet die Theorie, die im Endeffekt aber mindestens ein dezentes Stirnrunzeln nach sich zieht. Schließlich veranschlagt der zweite Teil nicht mehr als eine Laufzeit von gerade einmal 80 Minuten, und weist dabei sogar einige Längen auf – vor allem zu Beginn. Die Frage, warum man das Material nicht doch in einem einzigen Film kumulierte; ist also keineswegs von der Hand zu weisen.

Doch erweist sich der zweite Teil der Verfilmung ohnehin als Problemkind einer gänzlich anderen Sorte. Wenngleich viele Fans des Mangas und der TV-Serie bereits in Anbetracht des ersten Teils enttäuscht waren; so ließ er zumindest ein Fünkchen Resthoffnung aufkeimen – vor allem in Bezug darauf, dass sich die Macher im zweiten Teil noch markant steigern würden. Interessanterweise ist aber das Gegenteil der Fall. THE END OF THE WORLD weist dieselben Fehler und Unstimmigkeiten auf wie der erste Teil, mit dem Unterschied dass sie dieses Mal noch vervielfacht werden – was auf so gut wie alle Bereiche zu beziehen ist. So avanciert die im ersten Teil noch als charmant zu bezeichnende optische Gestaltungsarbeit endgültig zu einem Fiasko – einem vor schrecklich künstlicher, eintöniger und plumper CGI nur so triefendem. Auch wenn der zweite Teil eher ruhig beginnt, nehmen die späteren Kämpfe einen erheblichen Raum ein – und da sie dieses Mal fast ausschließlich zwischen Titanen stattfinden, kann man sich die anberaumte Materialschlacht in etwa ausmalen.

Dies impliziert bereits, dass es auch im zweiten Teil nicht allzu weit her sein kann mit der Story und den Charakteren – obwohl man gerade jetzt die Schnitzer des ersten Teils hätte ausbügeln sollen. Oder müssen – doch diesbezüglich macht der zweite Teil sogar noch einen Schritt zurück, was eigentlich eine Unmöglichkeit beschreibt. Nicht nur dass die Charaktere mindestens ebenso verwechselbar agieren wie zuvor, kaum sinnige Dialoge vorgesehen sind und echte Sympathieträger nach wie vor ausbleiben – am ärgsten hat es dieses Mal die ohnehin schon auf der Kippe stehende Motivationsfrage getroffen. Sicher, dass hier einige Menschen um ihr Überleben kämpfen wird ersichtlich – wofür es verständlicherweise nicht einmal einen Grund braucht. Doch was genau in den Köpfen der wohl ungewöhnlichsten Antagonisten aller Zeiten vorgeht, bleibt ein Rätsel – erklärt oder wirklich nachvollziehbar dargelegt wird hier nichts. Gleichzeitig bleiben alle in der TV-Serie zumindest noch angeschnitten Elemente in Bezug auf die ‚Obrigkeit‘ und das vorherrschende Gesellschaftssystem aus, was unweigerlich das Gefühl entstehen lässt als müsste es sich hier um eine Angelegenheit handeln die nur eine handvoll Menschen betrifft. Und das, wo die Titanen doch nicht weniger als die Weltherrschaft für sich beanspruchen.

Analog dazu wirken die Schauplätze aus THE END OF THE WORLD arg beschränkt und übersichtlich. Zivilisten rennen keine mehr umher, als Hintergrund dienen oftmals per CGI eingefügte, zerstörte Gebäude – was ein generelles Gefühl der Lieblosigkeit entstehen lässt. Und die Vermutung nahelegt, das ein Großteil des Budgets bereits mit dem ersten Teil verpulvert wurde – und der zweite eher als notwendiges Übel fungiert, dass man schnell noch hat auf die Beine stellen müssen. Die Probleme hören hier indes nicht auf, denn ein spezieller Faktor könnte vor allem Fans der TV-Serie bitter aufstoßen: THE END OF THE WORLD etabliert die zeitlos-spannende Atmosphäre der Serie nicht einmal ansatzweise, ist deutlich weniger spannend  – und gerät zudem ärgerlich entmystifizierend. Will heißen: erstmals im ATTACK ON TITAN-Universum werden klare Worte über den Ursprung der Titanen anberaumt, sowie im gleichen Atemzug auch noch erklärt was es mit Eren und seiner Wandlungsfähigkeit auf sich hat. Da dies relativ früh geschieht, ist die heiße Luft im wahrsten Sinne des Wortes schnell raus. Fragen entstehen eigentlich keine mehr – weshalb man offenbar dazu geneigt war, die bereits erwähnten Bösewichte zu integrieren. So kann dann doch das ein oder andere völlig sinnlos wirkende Rachegelüst befriedigt; sowie natürlich die (extrem karge) Landschaft zerlegt werden. Die Tatsache, dass man plötzlich drei Protagonisten hat die sich in Titanen verwandeln können und dabei durchaus merkwürdige Ziele verfolgen; wirkt in diesem Fall sogar explizit lächerlich und nimmt dem Franchise einen jeglichen Reiz. Was bleibt, ist ein gelungener Soundtrack aus der Feder von Shiro Sagisu – der sein Talent lieber anderswo hätte einsetzen sollen.

Fazit: Sicher, Realverfilmungen zu etwaigen prestigeträchtigen Manga- oder Animereihen sind immer mit Vorsicht zu behandeln. Oftmals geht der Schuss nach hinten los, alle Seiten zufriedenstellend sind entspreche Werke höchst selten – wobei der erste Teil von ATTACK ON TITAN noch die Hoffnung weckte, zumindest besser als der Durchschnitt zu sein. Diese Hoffnung kann, respektive muss in Anbetracht des zweiten aber vollständig begraben werden. Grundsätzlich besteht das Sequel nur aus alles andere als ansehnlichen CGI-Elementen – die nicht einmal sonderlich geschickt inszeniert werden oder einen nennenswerten Unterhaltungswert generieren. Irgendwo dazwischen tummeln sich dann die wenigen Darsteller – die ihr bestes geben, dabei aber nicht selten an den Rand des Overactings gelangen. Alles, was auch nur ansatzweise den eigentlichen Inhalt oder die Erzählform betrifft muss dagegen direkt in die Kategorie einer absolut unterirdischen Filmkunst einsortiert werden. Der Film macht erst gar keinen Hehl aus seinen geistlosen Dialogen, den flachen Charakterporträts, seinem miserablen Spannungsbogen, den aufgesetzten komödiantischen Elementen sowie den generell völlig abstrusen Anwandlungen der Charaktere als eigentliches Negativ-Highlight. Und das mit einer solchen Vehemenz, dass man tatsächlich glaubt das Ende der Welt ist nah – zumindest das Ende der Kino-Welt…

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„Die schlimmsten Befürchtungen sind eingetreten – dann doch lieber eine zweite Staffel der TV-Serie.“

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